Ci hanno raccontato che gli artisti digitali compongono opere d’arte simili a videogames ocose da nerd, in verità molti artisti digitali hanno un percorso creativo totalmente innovativo, spesso assimilabile a quello dei grandi nomi dell’arte contemporanea, spesso poi l’arte digitale è associata a velocità, spettacolo e visibilità immediata, ma la figura di Joe Pease si staglia come un’eccezione radicale. Il suo lavoro non vuole imporsi attraverso clamore mediatico o strategie di autopromozione, ma attraverso la forza ipnotica delle immagini e la persistenza di un linguaggio che si ripete, si stratifica e diventa universale. Pease è un autore appartato, enigmatico, quasi senza volto, eppure il suo nome è ormai sinonimo di una nuova sensibilità estetica che invade la rete. Pease è un eroe silenzioso dell’arte digitale, non perché cerchi l’eroismo, ma perché ha saputo costruirlo senza proclami, con la dedizione ostinata a un’idea: raccontare il quotidiano attraverso il loop.
Chi cerca informazioni su Joe Pease si scontra con un vuoto. Non esistono lunghe interviste, non esiste una narrazione biografica strutturata. Ciò che sappiamo è essenziale: un passato nel mondo dello skateboard filmmaking e dei videoclip musicali, i primi esperimenti nel 2021 con la crypto art, la scelta deliberata di non parlare troppo di sé. Pease preferisce che siano le immagini a raccontarlo. È un approccio quasi “anti-contemporaneo” in un mondo in cui l’artista è spesso costretto a costruire una brand identity tanto quanto un’opera. Questa assenza di narrazione personale diventa parte integrante del suo mito: Joe Pease è un nome, ma non un personaggio. Non ha bisogno di riempire il vuoto con dichiarazioni, perché la sua opera è già un racconto completo.
Il cuore della ricerca di Pease è la ripetizione. Un uomo che lavora alla scrivania, una folla che attraversa un incrocio, una serie infinita di cubicles. Tutto si ripete, in loop, a volte quasi impercettibile, altre volte in modo ossessivo e invadente, metafora di una società alienata, immersa in infinite routine nel mondo del lavoro, dell’intrattenimento, della socialità quotidiana.
Il suo capolavoro, everything vs nothing (2024), è una vera e propria dichiarazione d’intenti. Una collezione di trenta opere video uniche su blockchain, tutte collegate a un lavoro originario mai reso autonomo. Ogni frammento è parte di un tutto, come un universo narrativo che si svela a episodi. La figura dell’uomo in giacca e cravatta che compare ossessivamente in scenari diversi — dall’asfalto cittadino al deserto — è il simbolo di questa visione: un individuo senza volto, un “nessuno” che racconta tutti, uno, nessuno, centomila.
Là dove il loop potrebbe risultare monotono, Pease lo trasforma in uno strumento contemplativo, come fosse un mantra, un gesto meditativo. L’iterazione diventa musica visiva, coreografia ipnotica, trance narrativa. È come se dicesse: “la vita stessa è un loop, guardala ancora, e ancora, e ancora”.
Dietro la semplicità delle immagini si nasconde un lavoro maniacale. Pease descrive il suo processo creativo come un compito infinito: girare, montare, rigirare, rimontare. È un artigiano del digitale, capace di trasformare un procedimento tecnico in un atto poetico. Come spesso accade, la semplicità è il risultato di flussi di lavoro complessi e infinite sottrazioni. A differenza delle immagini generate dall’intelligenza artificiale, le sue opere non nascono da prompt o da automazioni, sono il risultato di un occhio allenato, di un montaggio preciso, di una visione estetica che riflette sulle possibilità del mezzo. In un momento storico in cui la produzione visiva rischia di essere delegata agli algoritmi, Pease riafferma la centralità dell’artista come autore consapevole, la centralità del processo creativo e inventivo che non può che essere umano. Il suo surrealismo non è artificiale, ma costruito, scolpito, curato con rigore, il mezzo tecnico è soltanto il suo pennello.
Ciò che colpisce nell’opera di Pease è lo straniamento. Le immagini sembrano ordinarie, ma qualcosa le rende “impossibili”, in un cortocircuito kafkiano sul reale e la paradossalità dell’esistenza. Le folle si moltiplicano in modo innaturale, i colori saturi rendono i luoghi irriconoscibili, i personaggi diventano simboli universali. È come osservare la realtà con gli occhi del sogno: riconosci il contesto, ma non riesci a collocarlo davvero.
Questa tensione tra familiare e alieno è ciò che dà forza all’opera di Pease. Ogni video diventa un atto di sospensione, un invito a guardare il mondo quotidiano come se fosse altro. Un bicchiere di caffè, un foglio di carta, una scrivania, i lavori in corso per la strada: tutto può diventare simbolo di un’esistenza alienata e ripetitiva, ma anche apertura verso un universo di infinite possibilità.
In un mercato in cui la parola “unico” è diventata inflazionata, l’opera di Pease si potrebbe definire piuttosto antagonista, non appartiene a un genere preciso, non ricalca stilemi preesistenti, non si colloca con immediatezza nella genetica della videoarte, ha radici nel linguaggio commerciale e pubblicitario, ma se ne distacca con un’ambizione estetica radicalmente diversa. La sua produzione è sontuosamente contemporanea proprio perché non assomiglia a nulla di coevo. Non è digitale in senso tecnologico, ma nel senso più profondo del termine: riflette la condizione stessa di vivere in un mondo fatto di loop, di immagini infinite, di storie frammentate.
Proprio facendo un parallelo tra Joe Pease e la videoarte significa aprire un dialogo inatteso tra passato e presente. Se da un lato la sua opera sembra emergere da un contesto interamente contemporaneo — criptovalute, NFT, saturazione digitale — dall’altro essa dialoga silenziosamente con i grandi maestri che hanno fondato la videoarte come linguaggio artistico autonomo.
Il primo riferimento è inevitabile: Nam June Paik, il padre della videoarte. Negli anni Sessanta e Settanta, Paik introdusse il loop e la ripetizione come strumenti di riflessione critica sul tempo e sull’immagine. Le sue installazioni televisive, con schermi che ripetevano all’infinito immagini distorte, trasformavano la tecnologia in poesia. Pease condivide con Paik questa attenzione per la ripetizione come linguaggio. Ma se Paik lavorava con la televisione e con l’estetica dell’onda elettronica, Pease lavora con la saturazione digitale, con il montaggio, con la proliferazione di figure identiche che attraversano la scena. In entrambi i casi, il loop non è semplice decorazione visiva: è una riflessione sulla condizione contemporanea. Nel mondo di Paik, era la società mediatica nascente; nel mondo di Pease, è l’alienazione quotidiana e la frammentazione digitale.
Se Paik rappresenta l’ironia tecnologica, Bill Viola introduce nella videoarte il tempo lento e contemplativo. I suoi video, con rallentamenti estremi e ripetizioni poetiche, invitano lo spettatore a un’immersione quasi spirituale. In modo diverso, anche Pease costruisce una temporalità contemplativa. I suoi loop non accelerano il tempo, ma lo sospendono. Lo spettatore resta catturato in un ritmo ipnotico, in cui la ripetizione diventa meditazione. Come in Viola, non c’è fretta di “capire”: l’esperienza stessa è il senso.
Mettere in parallelo Pease con i classici della videoarte significa anche notare la differenza di contesto. Paik e Viola lavoravano in un mondo in cui la televisione e il video analogico erano i nuovi media da esplorare e criticare. Pease lavora invece in un mondo dominato dai social media, dal feed infinito e dagli NFT.
In un sistema in cui la produzione visiva è sovrabbondante, Pease costruisce pazientemente immagini che resistono, che rimangono nella memoria.
